Fotografías, arte y personas. Ayer participamos en una mesa redonda sobre arte con un enfoque especial en la fotografía. Éramos cuatro ponentes: dos hombres y dos mujeres. Paridad total. Estuvimos Carla Armengol, Ulrika Talling-Smith, Rani Bruchstein y yo. Tuvimos la suerte de contar con público en la sala y con quienes se conectaron a través de redes sociales. Me encantó todo lo que aprendí sobre la vida y la fotografía.
No es la primera vez que me coloco frente a una cámara o que participo en conferencias y talleres. Así que cuando algo me sorprende, lo agradezco. Se abordaron muchos temas y desde una perspectiva algo distinta a la que estoy acostumbrado. Las preguntas giraban, en muchos casos, en torno a la relación del artista con su fotografía. No me refiero al viejo debate sobre si el arte debe separarse del artista, sino más bien a cómo la pasión nos empuja a crear y de qué manera nuestra vida personal influye en nuestro trabajo. Nada muy distinto de lo que le ocurre al resto de los mortales, pero en el caso de los artistas esto puede verse como un valor, un demérito o incluso la sublimación de la condición humana. Todo depende del artista y de quien formule la pregunta. El caso es que todos nosotros nos declaramos, de una forma u otra, víctimas de nuestra humanidad. Lo interesante es cómo cada uno desarrolla estrategias para lidiar con ello.
No quiero interpretar aquí lo que mis compañeros expresaron —ellos lo explicaron de forma brillante—, pero sí destacar que todos coincidimos en ver nuestra actividad como un refugio y una plataforma. El momento de la creación es un espacio único y casi mágico, donde explorar emociones y territorios privados, pero también una plataforma para conectar con el público, una suerte de red social hecha de carne y hueso. Ulrika vive su trabajo como una experiencia global, en la que la relación con los artistas y la exposición en sí forman parte de su expresión creativa. Para Rani, es un proceso que se gesta con el tiempo, y la sesión no es más que la culminación inevitable de todo lo que ha ocurrido antes. Para Carla, es el resultado de una apuesta por sí misma: arriesgada, firme y personal. En mi caso, lo vivo como una necesidad vital, tan natural como respirar, pero con un componente de observación y síntesis.
Después de la charla, llegó el turno de preguntas del público. Hubo una que me llamó la atención, no porque no la hubiera oído antes, sino porque era la primera vez que debía responderla. «¿El género del artista influye en el resultado final de su obra?»
Creo que la charla fue grabada y cualquiera podrá ver nuestras respuestas, pero aquí dejo mi opinión. Como seres humanos, tenemos la capacidad de imprimir nuestra huella en lo que creamos. Esto ocurre independientemente del talento; solo hace falta desarrollar esa capacidad y querer hacerlo. No hablo de creatividad, sino de originalidad. La creatividad puede entrenarse, el talento también. Pero la originalidad… ahí tengo mis dudas. Y, en mi opinión, esta última cualidad no entiende de género.
Si lo que hacemos es genuino y no una mera copia, ninguno llegaremos a los mismos resultados, porque todos somos diferentes. Sin importar el género. Entonces, ¿por qué sí vemos tendencias en la materialización de las obras de arte? Porque nada es blanco o negro. Todos tenemos miedos, experiencias, ilusiones, creencias, cultura, objetivos, familias, hijos… Un sinfín de factores que nos condicionan. Y nuestro arte también lo está. Solo cuando alcanzamos una conexión espiritual lo suficientemente profunda, nuestro trabajo puede trascender todo eso. Es entonces cuando el arte deja de tener género.
En mi caso, solo lo he conseguido en momentos puntuales. Pero, al menos, ya he estado ahí.
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The Gender of Photographs
Yesterday, we took part in a roundtable discussion on art, with a special focus on photography. There were four of us on the panel: two men and two women. Perfect parity. Carla Armengol, Ulrika Talling-Smith, Rani Bruchstein, and I were there. We were lucky to have an audience in the room, as well as those who joined us online. I loved everything I learned.
It’s not my first time in front of a camera, nor my first time speaking at conferences or workshops. So when something manages to surprise me, I feel grateful. Many topics were discussed, and from a perspective somewhat different from what I’m used to. In many cases, the questions revolved around the artist’s relationship with their work. I’m not talking about the old debate on whether art should be separated from the artist, but rather about how passion drives us to create and how our personal lives influence our work. Nothing too different from what happens to everyone else, but in the case of artists, this influence can be seen as a virtue, a flaw, or even the sublimation of the human condition. It all depends on the artist and on who is asking the question. In the end, we all admitted, in one way or another, that we are victims of our own humanity. The interesting part is how we each develop strategies to navigate that reality.
I don’t want to reinterpret what my fellow panelists expressed—they did so brilliantly—but I do want to highlight that we all share the view that our work is both a refuge and a platform. The act of creation is a unique and almost magical space where we explore emotions and private territories, but it is also a platform for connecting with our audience, a kind of flesh-and-blood social network. Ulrika experiences her work as a global endeavor, where relationships with artists and the very act of exhibiting become part of her artistic expression. For Rani, it’s a process that takes time to develop, and the session itself is merely the necessary culmination of everything that has come before. For Carla, it is the result of a personal gamble—bold, solid, and uniquely her own. As for me, I experience it as a vital necessity, as natural as breathing, but infused with observation and synthesis.
After the discussion, it was time for audience questions. One of them caught my attention—not because I hadn’t heard it before, but because it was the first time I had to answer it directly:
«Does the artist’s gender influence the final outcome of their work?»
I believe the talk was recorded, so you’ll be able to watch our answers, but here is my take. As human beings, we have the ability to leave a personal imprint on what we create. This happens regardless of talent; all it takes is developing that ability and wanting to use it. I’m not talking about creativity, but about originality. Creativity can be trained. Talent, too. But originality… that, I’m not so sure about. And in my opinion, originality has nothing to do with gender.
If what we create is truly genuine and not a mere copy, none of us will ever arrive at the same results, because we are all different. Regardless of gender. So then, why do we see patterns in the way artworks take shape? Because nothing is black and white. We all have fears, experiences, hopes, beliefs, culture, goals, families, children… A countless number of factors shape us. And our art is shaped by them, too. Only when we reach a deep enough spiritual connection can our work transcend all of that. That is the moment when art ceases to have gender.
In my case, I’ve only managed to do so in fleeting moments. But at least—I have been there.
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